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Tiempo de las mujeres: 16 directores importantes emancipando el cine

El drama "Lady Bird" sale en alquiler, cuyo guionista y director fue la actriz de cine independiente estadounidense Greta Gerwig. Una película sobre los sueños de un provincial estadounidense de llegar al New York College después de que una escuela ordinaria local le otorgó a Herwig la quinta nominación para una mujer en la categoría de director Oscar, Globo de Oro a la Mejor Comedia y Amor Popular Americano: Lady Bird dio sus frutos en la taquilla y ha recogido maravillosas críticas en todo el mundo.

En el contexto de una evidente ola de imperio en Hollywood, estamos hablando de directoras modernas, cuyas nuevas películas definitivamente valen la pena la espera. En nuestra lista están los clásicos establecidos del cine mundial, así como los debutantes prometedores que pueden cambiar el cine como arte e industria.

Texto: Alice Taiga

Lynn Ramsey

Reloj: Flautista, Morvern Callar, algo malo con Kevin, nunca has estado aquí

En 1999, nativa de Escocia, Lynn Ramsey conquistó al jurado de Cannes con un duro drama minimalista "Pied Piper", en el que se presentaron por primera vez todos sus trucos característicos: desde narrativas de diálogo avariciosas hasta la vulnerabilidad fascinante del autor, la inquietud y la violencia de rutina.

Lynn Ramsey es conocida por su naturaleza de principios y su actitud muy reverente hacia la libertad de dirección: dejó los disparos de Cute Bones y Jane Takes a Gun cuando se dio cuenta de que los productores estaban ideando sus ideas. Su terquedad fue recompensada: la nueva película de Ramsey "Nunca has estado aquí" sobre un veterano en busca de niños desaparecidos recibió críticas increíbles en Cannes, dos premios (a Joaquin Phoenix al mejor actor y a Lynn Ramsey por el guión). La cinta se enviará a los rusos la próxima semana.


Ver también: Las películas de Athenberg Raquel Tsangari "Attenberg" y "Chevalier" y "Perst" Alice Lowe

Claire Denis

Reloj: "Chocolate", "No puedo dormir", "Buen trabajo", "Todos los días, problemas", "35 montones de ron", "Invitado no invitado", "Material blanco", "Malditos bastardos", "Deja entrar el sol"

La directora de sorprendente sutileza y gusto natural, Claire Denis creció en el África colonial y reflejó las contradicciones de su crianza y crecimiento en varias películas ilustres, desde Chocolate sobre la amistad de una niña blanca y un sirviente negro hasta Good Work sobre un ejército francés, servicio vivo y un sentido del deber. en una legión extranjera en algún lugar en medio del desierto.

A pesar de una carrera de 30 años en el cine, Denis sigue siendo una de las directoras más interesantes y en desarrollo de su generación: su nuevo melodrama "Let the Sun In" le dio no solo uno de los mejores papeles de Juliette Binoche, sino que también habla sobre la ambivalencia del amor.


Ver también: Películas de Suzanne Beer

Agnes Varda

Reloj: Pointe-Kurt, Cleo de 5 a 7, tipos de Daguerre Street, Outlawless, recolectores y recolectores, Agnes Coast, personas, pueblos

Un veterano de la "nueva ola" francesa con un corte de pelo de dos colores característico se podía ver en la alfombra roja del último Oscar: Agnes Varda, de casi 90 años, fue nominada para su último documental, Personas, pueblos, pero no recibió el premio.

Las películas de Ward cubren casi 60 años de la historia del cine, el equilibrio entre la ficción y el documental texturizado (en los años 70 y posteriores Ward dispara algunos muelles increíbles, pero no tan famosos en nuestras latitudes) y representan la óptica femenina al discutir los destinos humanos, la elección política y las diferencias culturales. . Su rasgo característico es un suave sentido del humor, una increíble atención a historias insignificantes y un completo rechazo a las entonaciones categóricas: ella, como cualquier buen director con raíces documentales, reemplaza fundamentalmente los juicios por observación.


Ver también: películas Agnieszki Holland

Maren Ade

Reloj: Bosque de árboles, todos los demás, Tony Erdmann

El rotundo éxito de "Tony Erdmann" llamó la atención sobre la directora alemana Maren Ada, quien previamente había filmado dos películas sensibles, insinuantes e íntimas sobre la soledad, la búsqueda de un alma gemela y una leve decepción en sí misma.

Su filmografía comenzó con "Bosques para árboles", un retrato amable de una niña de provincia que se mudó a una nueva ciudad y consiguió un trabajo como maestra, pero ella misma no siente ninguna conexión con el nuevo lugar o con las personas que la rodean. El próximo drama "Todos los demás" habla sobre la crisis matrimonial: al mirar a los vecinos de vacaciones en unas vacaciones en el sur, él y ella se dan cuenta de que no son completamente sinceros el uno con el otro y no discuten honestamente lo que realmente los emociona. "Tony Erdmann", un éxito cien por ciento europeo sobre una mujer alemana que vive en Rumania, que es atacada por un padre excéntrico, se ha convertido en una de las películas más cálidas sobre el conflicto entre padres e hijos. La declaración personal de varias capas de Maren Ade toca varios temas serios e importantes en el cine moderno: la conexión de las generaciones alemanas, la visión colonial de liderar Europa para ponerse al día, los problemas del capitalismo y la soledad global.


Ver también: Películas Angels Chanelek

Sofia Coppola

Reloj: "Superar la estrella", "Dificultades de traducción", "María Antonieta", "En algún lugar", "Sociedad de élite", "Tentación fatal"

Sofía Coppola ha superado recientemente la etiqueta "hija que conoces", haciendo películas bajo la mano del productor de un hermano mayor y el apoyo financiero de su padre, al principio fue percibida como la heredera de un influyente clan de películas. Su última y más cara película, Fatal Temptation, finalmente le dio a Sofía un premio de director en Cannes.

Desde "Dificultades de traducción" hasta la última película, Sofía desarrolló un estilo narrativo y visual reconocible: estaba interesada en comunidades cerradas, conflictos profundamente ocultos e historias íntimas para varias personas, donde la mujer no es el objeto, sino la principal participante en los eventos.


Ver también: películas de Alice Rohrwacher y Rebecca Zlotowski, "Mustang" Denise Gamze Erguven

Julie Ducorno

Reloj: "Crudo"

Un graduado de la prestigiosa escuela parisina de La Femis ha hecho solo una película hasta ahora, pero cuál. El cuerpo-terror "Raw" se ha convertido en una mini-sensación en Cannes y refuta todos los estereotipos con los que el "cine de mujeres" se asocia en la conciencia de masas. Esta es una historia sangrienta, táctil e increíblemente dura de la adaptación de un vegetariano en la comunidad estudiantil. Después de ingresar a la academia de veterinaria, el personaje principal se somete a un doloroso rito de iniciación para ella con el riego de sangre animal y el consumo de riñones de conejo, después de lo cual desarrolla un deseo increíble de carne cruda y al mismo tiempo sufre de una erupción cutánea y alergias terribles. Ducorno teje en una trama la historia de crecer, un deseo sexual insoportable, instintos reprimidos y límites corporales, haciendo un debut muy distintivo, valiente y completamente no estudiantil.


Ver también: "Culpa" Quinn Shepard, "Invitación" Karin Kusama

Mia Hansen-Loew

Reloj: "Todo está perdonado", "Padre de mis hijos", "Primer amor", "Edén", "Futuro".

Mia Hansen-Leuve comenzó su carrera en el cine como actriz y durante mucho tiempo no fue percibida sin interrupción por parte de su compañero, el famoso director francés Olivier Assayas. Mientras tanto, su carrera independiente ha sido de diez años, durante los cuales Mia mostró cómo puede contar historias de amor ordinarias, afecto y decepción con un sentido único de tacto, atención y la capacidad de dirigir a los actores y revelarlos en una nueva calidad, permaneciendo casi invisibles para el público.

Isabelle Huppert en el melodrama Future es uno de los retratos más interesantes de una mujer en su madurez, y First Love es una declaración precisa sobre la banalidad del dolor que acompaña al primer sentimiento grave. Hansen-Loew ya recibió un premio de director en Berlín y ahora está ocupado con la próxima película, "La isla de Bergman" con Greta Gerwig, John Turturro y Mia Vasikovskaya sobre un par de cineastas que viajan en un viaje para prepararse para el próximo rodaje.


Ver también: Películas Celine Skyamma y Lucille Adzialilovich

Kelly Reichardt

Reloj: "Old Joy", "Wendy and Lucy", "Bypass de Mick", "Movimientos nocturnos", "Algunas mujeres"

Una estadounidense de una familia muy común (sus padres trabajan como policías), Kelly Reichardt soñaba con tomar fotografías desde una edad temprana, y filmó su primera película hace más de 20 años. Su biografía es un ejemplo de cuántos años un director novato de la provincia, especialmente una mujer, toma el camino de un debut económico al éxito del festival: en su caso son casi 14 años.

Michelle Williams, quien jugó con Reichardt en un drama sobre una niña que perdió a su perro ("Wendy y Lucy"), se hizo famosa y se convirtió en un símbolo visual del cine independiente estadounidense de cero. La propia Kelly, que prefiere diálogos desvaídos, paisajes tranquilos y una trama pausada, a menudo se la llama minimalista: ahora es una de las principales cineastas estadounidenses, que siguen siendo fieles al espíritu y los principios del movimiento independiente, a pesar de las estrellas que dispara, desde Jesse Eisenberg hasta Kristen Stewart.


Ver también: películas Josephine Decker - "Mantequilla en el pestillo", "Fuiste gentil y hermosa", "Madeleine-Madeleine"

Natalia Meshchaninova

Reloj: Serie de televisión "School", "Combine" Hope "," Arrhythmia "," Anna's War "

Las raíces de Natalia Meshchaninova están en el documental: después de graduarse de la escuela de Marina Razbezhkina, después de varias películas, Natalia apareció en televisión como la segunda directora del sensacional proyecto Valeria Gai Germanika "School", una declaración precisa y despiadada sobre la crisis familiar y social de la Rusia de Putin basada en el ejemplo de estudiantes de secundaria en una escuela de Moscú en las afueras.

El debut de larga duración de Natalia "Combine" Nadezhda "" se basó en un estudio detallado de Norilsk, un lugar con una rica empresa formadora de ciudades y una falta de cultura urbana: varios jóvenes que están haciendo vagos planes para el futuro viven lejos del continente y viven su propia historia del tiempo perdido. Después del guión del éxito popular "Arrhythmia", "Anna's War" de Alexei Fedorchenko y el libro de cuentos lanzado, Natalia se está preparando para lanzar el segundo metro completo, "Heart of the World", sobre la vida de un veterinario solitario en el desierto de Rusia.


Ver también: Películas de Nigina Sayfullaeva - "Rosa Mosqueta", "¿Cuál es mi nombre?"

Gillian Robespierre

Reloj: "Su hijo", "Línea telefónica"

Gillian Robespierre encaja perfectamente en el estereotipo de la bohemia de Brooklyn, especialmente porque su colaboradora habitual, la actriz Jenny Slate, interpreta principalmente a perdedores estadounidenses.

"Su hijo" es la historia de una niña de una trabajadora de pie no tan exitosa que queda embarazada después de tener relaciones sexuales con la primera persona que conoce y se pregunta si dejar a su hijo y cómo cumplir con los requisitos de edad: el reloj no funciona tan rápido como en Rusia, pero se considera el 30 aniversario vida importante en el extranjero "Telephone Line" es una comedia retro sobre Brooklyn a principios de los 90, cuando todavía usaban teléfonos con cable y caminaban por las calles con un estilo exuberante. Robespierre hizo una historia sobre una heroína que está cansada de un buen matrimonio con un buen tipo y se apresura a lo peor cuando descubre que su propio padre ha estado engañando a su madre durante mucho tiempo.

A pesar de que Gillian solo tiene un par de películas en su cuenta, tiene un talento raro para combinar personajes divertidos y tristes, mostrando personajes vivos y tangibles sin moralizar y recetas para la felicidad y la prosperidad, y esta es una aplicación para un gran futuro en el cine de masas.


Ver también: Películas y programas de televisión Nicole Holofsener, Lynn Shelton y Lena Dunham

Andrea Arnold

Reloj: Camino rojo, acuario, Cumbres borrascosas, Cutie americano

Una de las voces femeninas de más alto perfil en la dirección, la británica Andrea Arnold tomó el primer metro a los 45 años y fue vista de inmediato en festivales.

La suspensión sobre una guardia de seguridad femenina en el complejo de viviendas Red Road en Glasgow que pasaba días frente a las cámaras de vigilancia sacó a la luz a una heroína a la que Arnold volverá constantemente: una mujer en el límite que ella misma no siempre sabe. Después de un poema de los trabajadores de las afueras de Aquarium sobre una joven que vive una aventura amorosa con el novio de su madre, Arnold se arriesgó a reinventar Wuthering Heights en una adaptación de casi ningún texto, e incluso con el protagonista negro.

Su tan esperado regreso ya sucedió en suelo estadounidense: al llegar a los Estados Unidos, Arnold encontró a la actriz de pepitas Sasha Lane y construyó a su alrededor una historia sobre vagancia y un primer amor infeliz llamado "American Cutie": esta es sin descuento una de las películas más poderosas de la última década.


Ver también: Películas de Sally Potter y Jane Campion

Catherine Braya

Reloj: "Real Girl", "My Sister!", "Short Ferry", "Intimate Scenes", "Secret Mistress", "X-Romance", "Blue Beard", "Abuse of Weakness"

Catherine Braya ha estado explorando la sexualidad y el físico femenino desde mediados de los 70, convirtiéndose en una de las clásicas francesas vivas. En su filmografía desigual, hay más fracasos que éxitos, pero todos están hechos de la misma textura, respiran el mismo aire y exploran los temas de placer y seguridad con el coraje que la mayoría de los directores nunca han soñado. Ya se trate de la envidia de las hermanas y la dismorfofobia en "¡Mi hermana!", Una sátira sobre la producción cinematográfica "Escenas íntimas", un clásico cuento de hadas sobre Barba Azul reproducido con óptica feminista, o una autobiografía penetrante "Abuso de debilidad" - Breya continúa arriesgando inexorablemente y provocando a la audiencia pensamientos inoportunos.


Ver también: Películas de Mivenn y Marina De Van "In My Skin" y "Don't Look Back"

Katherine Bigelow

Reloj: “Sin amor”, “Acero azul”, “En la cresta de una ola”, la serie “Palmeras silvestres”, “Días extraños”, “K-19”, “Señor de la tormenta”, “Objetivo número uno”, “Detroit”

Cualquiera que crea que una mujer directora no puede filmar una escena de batalla, una buena película de guerra o un suspenso opresivo debe escribir la filmografía de Katherine Bigelow, la única mujer que recibió un Oscar en la nominación del director, una de las narradoras más poderosas de historias brutales.

La carrera de Bigelow dura más de 35 años, y no hay una sola trama sentimental, y la pasión por el enorme alcance y la excelencia técnica ha sido evidente desde las primeras películas de los años 80. Bigelow es increíblemente hábil para contar historias, incluso aquellas historias que, al parecer, deberían dejarnos indiferentes, y sabe cómo cambiar el tamaño: de un conflicto compacto dentro de una persona a una imagen global de muchos años de contradicciones, ya sea guerra o vida pacífica.


Ver también: Películas de Monster and Wonder Woman de Patty Jenkins

Rebecca Miller

Reloj: Angela, La balada de Jack y Rose, La vida privada de Pippa Lee, Plan Maggie

Hija del dramaturgo Arthur Miller y la fotógrafa Inge Morat, Rebecca Miller comenzó su carrera como directora más cerca de su 35 cumpleaños: ella misma escribió y dirigió varias de sus películas, a menudo basadas en libros ya publicados. Comenzó a dirigir después de dos décadas de experimentación: en su juventud, dibujó activamente y luego comenzó a actuar en películas, además, con los mejores directores de su tiempo: Pakula, Mazursky y Nichols.

Desde el debut de Angela, Miller ha estado explorando activamente la identidad femenina, las percepciones límite y la empatía en las relaciones: su última película, un éxito independiente con el "Plan Maggie" de Greta Herwig, le dio a su sólida carrera un nuevo giro principal.


Ver también: las películas de Lisa Kholodenko y el dueto Valerie Faris y Jonathan Dayton "Little Miss Happiness", "Ruby Sparks" y "The War of the Sexes"

Lucresia Martel

Reloj: "Pantano", "Niña santa", "Mujer sin cabeza", "Zama"

La directora más famosa de América Latina ha recorrido un largo camino desde pocos metros después de estudiar en la escuela de cine de Buenos Aires hasta su famoso debut "Swamp" sobre las relaciones dentro de una familia no tan feliz de una tía y una sobrina, obligadas a pasar el verano juntas en una zona pantanosa rodeada de ruidosos hijos y sirvientes lentos.

La próxima película de Martel, The Holy Girl, explora las relaciones de las jóvenes con su propio cuerpo, iglesia y dios, mientras que Mujer sin cabeza plantea la cuestión de la naturaleza de la memoria, la culpa y el crimen sin castigo. El último proyecto de Lucresia Martel estuvo en producción durante casi diez años: la historia del colonizador Diego de Sama en el siglo XVIII describe la vida cotidiana de un funcionario español, exhausto por el calor tropical, experimentando la incertidumbre del amor, el aislamiento y la toxicidad del orden de los esclavos.


Ver también: películas Ildiko Enedi

Malgozhata Shumovska

Reloj: "Imágenes de Europa", "33 escenas de la vida", "Revelaciones", "En nombre de ...", "Cuerpo", "Rostro"

Malgozhat Shumovska, que no es muy conocido fuera de los festivales europeos, finalmente puede contar con una merecida popularidad después del premio del director en el último festival de cine de Berlín para la comedia negra "Face", sobre el constructor de un símbolo religioso conservador que cayó de una estatua gigante de Jesucristo directamente en su rostro.

Graduada de la famosa escuela de cine de Lodz, Shumovska, de la primera película, trabaja con los límites de la identidad polaca y europea, una crisis del cuerpo y la identidad cristiana, sin tener miedo al humor negro, una conversación franca sobre la crítica íntima y social de los valores tradicionales. El motivo más frecuente para Shumovskaya es el tema de la familia, la liberación corporal y las esperanzas personales de involucrarse en una gran historia, que, por supuesto, rima con el presente ambivalente de Polonia entre Occidente y Oriente.


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